二十一世紀當代藝術紛紛興起了以「當代表演」為策略的展覽型態，在國際上已形成諸多討論的議題，譬如探討當代表演構成何種群眾連結，抑或如何影響藝術家在創作實踐上的思考模式。這些討論一方面與過往盛行的關係美學僅強調形式化的觀眾互動，有相當大程度的差異，另一方面也開啟人們對現場藝術、行為藝術等攸關身體展演歷史的回溯與反思。尤其在2010至2020年間，國內美術館於展覽策劃層面逐漸運用有關「Live」（現場性、活性）的元素及跨媒介合作的方法，思索當代表演得以爲機構激發出何種可能性。而針對當代表演進入美術館的命題，當前國內學界的評析與論述多集中在表演藝術領域，且傾向用跨領域一詞將其概括，又或者快速地以「表演轉向」稱之。不過，這種說法容易讓我們忽略更進階的問題：究竟當代表演為美術館帶來什麼改變？美術館如何定位當代表演在其機構的位置？此種動態觀演關係的呈現，對於當今藝術史書寫又引發何種變化？

有鑑於此，本論文選擇從視覺藝術的角度切入，並以臺北市立美術館與北師美術館作為主要研究的對象，細緻地剖析這兩大場館於2010至2020年間發生的展演案例，企圖透過兩道研究路徑進行論述，第一、考察美術館在這十年間展演機制的改變；第二、分析觀眾在特定展演機制下的轉變。探索在這兩者的相互作用下，觀眾之於藝術家甚至是美術館的權力關係為何？觀者在此發展過程中有何種面向的變化？如何改變？期望藉此探尋出何謂觀眾能動性的思考，以及當代表演進入美術館促成的灰地帶之潛能。

第一章以國內外表演與視覺藝術之當代交會為題。先以當代表演進入美術館的議題為起點，細探國內外脈絡的思考與轉變究竟為何，釐清構成表演與視覺藝術交會背後的條件與機制。而第二章與第三章皆為個案研究的方式探討。第二章聚焦談論臺北市立美術館，分別於藝術家個體、機構策展及雙年展機制的不同層次架構下，其展演機制與觀演關係的設計，進而探問何謂當代表演與社群連結的批判性。第三章則著墨北師美術館在這十年間如何藉由跨媒介展演的策動、表演文件的再創造，發展出其自身對於跨域實驗的精神及串連群眾一同形構交互展演的意義。最後在結論將提出對於當代表演史書寫的可能性和再探當代表演未來的途徑。

In the 21st century, contemporary art has seen the emergence of exhibition formats employing “contemporary performance” as a strategy. This has sparked much international discussion, with topics ranging from how contemporary performance establishes a connection with the audience to how it influences artists' thinking patterns in their creative practice. These discussions differ significantly from the previously dominant “Relational aesthetics”, which emphasized formalized audience interaction. They also prompt retrospective examination and reflection on the history of body-based performance, Live art, and Performance art. Between 2010 and 2020 in particular, domestic art museums gradually incorporated elements related to “Live” (liveness and activation) and intermedia collaboration into exhibition curating, exploring the possibilities that contemporary performance could unlock for institutions. Regarding the issue of contemporary performance in museums, current academic analyses and discussions in Taiwan have largely focused on the field of performing arts, often using the term “interdisciplinary” to generalize it, or quickly labeling it as a “performativity turn.” However, this framing risks overlooking more advanced questions: What changes does contemporary performance bring to art museums? How do art museums position contemporary performance within their institutional frameworks? And how does this dynamic spectatorship between performance and viewing influence the writing of contemporary art history?

In this regard, this thesis chooses to approach the issue from the perspective of visual arts, with the Taipei Fine Arts Museum and Museum of National Taipei University of Education as the main subjects of research, carefully analyzing the exhibition cases that occurred in these two major venues from 2010 to 2020. Two research paths are taken to approach the subject: first, the changes in art museums' exhibition mechanisms over the past decade are examined; second, the changes in audiences under specific exhibition mechanisms are analysed. The study seeks to explore the power dynamics between audiences, artists, and museums in this interplay, as well as the various dimensions of change in audiences during this developmental process and how such changes occur. Ultimately, the research aims to explore the concept of audience agency, and the potential of the gray zone created when contemporary performance enters the art museum.

Chapter one focuses on the contemporary intersection of performance and the visual arts in Taiwan and abroad. Beginning with the issue of contemporary performance in art museums, it explores thinking and changes in domestic and international contexts, and clarifying the conditions and mechanisms behind this intersection. Chapters two and three are case studies. Chapter two focuses on the Taipei Fine Arts Museum, examining its exhibition mechanisms and spectatorship dispostif across different levels of structure—individual artists, institutional curation, and biennial exhibition mechanisms—to explore the critical nature of contemporary performance and its connection to the community. Chapter three examines how the Museum of National Taipei University of Education has developed its own spirit of interdisciplinary experimentation and the meaning of collaborative, interactive performances over the past decade through inter-media performances and the re-creation of performance documentation. Finally, the conclusion will propose possibilities for writing the history of contemporary performance and explore its future directions.

一、西文專書
Bishop, Claire. Disordered Attention: How We Look at Art and Performance Today London; New York: Verso, 2024.
Giannachi, Gabriella and Westerman, Jonah. Histories of Performance Documentation: Museum, Artistic, and Scholarly Practices, London: Routledge, Taylor & Francis Group, 2018.
Goldberg, Roselee. Performa: New Visual Art Performance, New York: Performa Publications, 2007.
Goldberg, Roselee. Performance Art: from Futurism to the Present, New York: Thames & Hudson, 2001.
Goldberg, Roselee. Performance Now: Live Art for the twenty-first century, London: Thames & Hudson, 2018.
Jones, Amelia and Heathfield, Adrian. Perform, Repeat, Record: Live Art in History, London: Intellect Ltd, 2012.
Jones, Amelia and Stephenson, Andrew. Performing the Body Performing the Text, London, Routledge, 2005.
Jones, Amelia. In between subjects: a critical genealogy of queer performance, London: Routledge, 2020.
Wood, Catherine. Performance in Contemporary Art, London: Tate Publishing, 2019.
二、西文期刊
Bishop, Claire. “Antagonism and Relational Aesthetics”, October Vol. 110 (Autumn, 2004): 51-79.
Bishop, Claire. “Art of the Encounter: Antagonism and Relational Aesthetics”, Circa No. 114 (Winter, 2005): 32-35.
Lepecki, André. “The Body as Archive: Will to Re-Enact and the Afterlives of Dances”, Dance Research Journal 42, no. 2 (2010): 28–48.
Simpson, Bennett. “Public Relations: An Interview with Nicolas Bourriaud”, Artform Vol. 39, iss. 8 (April, 2001): 48–51.
三、中文專書
佛羅里安・馬札赫（Florian Malzacher）、喬安娜・華沙（Joanna Warsza）編，白斐嵐譯，《邁向操演時代：展演作為策展策略》，臺北：書林出版，2021。
克萊兒・畢莎普（Claire Bishop）著，林宏濤譯，《人造地獄：參與式藝術與觀看者政治學》，臺北：典藏藝術家庭，2015。
克萊兒・畢莎普（Claire Bishop）著，黃亮融譯，《畢莎普選集1：表演與美術館》，臺北：一行出版，2021。
林宏璋、提達・佐赫德（Tirdad Zolghadr），《2010台北雙年展／Taipei Biennial 2010》，臺北：臺北市立美術館，2010。
林曼麗、蔡明亮總編輯，《來美術館郊遊：蔡明亮大展》展覽圖錄，臺北：臺北教育大學北師美術館，2016。
林人中編輯，《身體網絡：當代表演的文化與生態》臺北：臺北表演藝術中心，2022。
貢布里希（Ernst H. Gombrich）著，雨云譯，《藝術的故事》，新北：聯經，2015。
張懿文，《不舞之舞：論當代藝術中的舞蹈》，臺北：書林出版，2022。
臺北市立美術館，《社交場》，臺北：臺北市立美術館，2019。
臺北市立美術館，《愛麗絲的兔子洞—真實生活：可理解與不可被理解的交纏》，臺北：臺北市立美術館，2016。
謝杰庭、張芳薇編輯，李立鈞譯，《當代展演》，臺北：臺北市立美術館，2022。
衛生福利部疾病管制署，《COVID-19 後疫情時代防疫政策白皮書》，臺北：衛生福利部疾病管制署，2024。
簡秀枝，《台新藝術20》展覽專刊，臺北：台新銀行文化藝術基金會，2022。
四、中文期刊
江凌青，〈建築作為串連影像裝置與電影美學的關鍵：以蔡明亮的作品為例〉，《現代美術學報》23期，(2012.02)，頁51-78。
江凌青，〈就看我怎麼演─《情色空間》中的電影美學脈絡〉，《電影欣賞季刊》，第29卷，第2期，第146輯，頁62-66。
吳靖雯整理，〈2013真真藝術對談5：藝術的虛幻擬真／真實若幻〉，《現代美術期刊》169期，(2013.08)，頁99-108。
張芳薇，〈空間演繹及其回返：初探台北雙年展展示策略〉，《現代美術學報》28期（2014.11），頁71-103。
莊偉慈，〈像生活的藝術—日本東京森美術館「李明維與他的關係：參與的藝術」〉，《藝術家雜誌》第474期，(2014.11)，頁280-287。
劉永皓，〈檔案逃離日常：探討當代藝術的可能〉，《現代美術期刊》183期（2016.12），頁35-41。

五、學位論文
林雅綸，〈李明維參與式作品計畫的美學意涵〉，碩士論文：中央大學藝術學研究所，2019。
邱俊達，《從當代社群藝術到場造美學》，博士論文，國立臺南藝術大學藝術創作理論研究所博士班，2016。
范宇晴，〈表演藝術進入美術館展覽的現象觀察：以〈社交場〉為例〉，碩士論文，元智大學藝術與設計學系藝術管理碩士班，2018。
六、網頁資料
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張玉音，〈專題｜葉名樺：一個人的美術館，如何真實面對獨處的45分鐘〉，《典藏ARTouch》，網站：<https://artouch.com/art-views/content-1068.html>（2025年03月27日檢索）。
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陳泰松，〈一則關於「誰」的絮語 ─ 關於《進入誰天堂》〉，《台新ARTalks》，網址：<https://archive.taishinart.org.tw/event/talks/2023031402>（2025年5月3日檢索）。
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提達・佐赫德（Tirdad Zolghadr），「TB2010策展論述」，《臺北市立美術館》，網址：<https://www.taipeibiennial.org/2010/tb2010.html>( 2024年 11月24日檢索)。
楊美英，〈2015年度觀察報告：藝術，日常、非日常之間！〉，《ARTALKS台新藝術網》，網址：< https://talks.taishinart.org.tw/members/64/34997>（2024年8月26日檢索）。
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臺北市立美術館，〈「李明維與他的關係：參與的藝術—透過觀照、對話、贈與、書寫、飲食串起和世界的連結」展覽新聞稿〉，《臺北市立美術館》，網址：<https://www.tfam.museum/File/Exhibition/Main/538/20150603170947819159.pdf?ddlLang=zh-tw>（2024年5月21日檢索）。
臺北市立美術館，〈「李明維與他的關係：參與的藝術—透過觀照、對話、贈與、書寫、飲食串起和世界的連結」展覽新聞稿〉，《臺北市立美術館》，網址：<https://www.tfam.museum/File/Exhibition/Main/538/20150603170947819159.pdf?ddlLang=zh-tw>（2024年8月20日檢索）。
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